Part 3. Creating Pictures(14)

아서락컴-걸리버여행기

2) 스타일의 다양성

Angela Thirkell이 쓴 The Grateful Sparrow and Other Tales를 위한 Ladwig Richter의 일러스트레이션은 봄을 맞이하는 부산한 행위들은 보여준다. 이 복잡한 장면을 볼 때 눈이 어떻게 움직이는지 이해하기 위해서 노력하라. "휴식처"는 어디에 있는가? 그리고 어떤 요소가 보는 사람으로 하여금 이 그림을 탐색하도록 이끄는가?

Jonathan Swift의 Gulliver's Travels를 위해서 Arthur Rackham) 그린 이 일러스트레이션에서는, 스케일 (크기 비례)이 매우 중요하다. 또한 Rackham이 사용하는 선의 개인적인 필치에도 주목하라. 예를 들어, "힘찬(또는 신경질적인) " 소매 외곽선은 H.Jozewskij의 대담한 외곽선과는 매우 다르다. 걸리버의 옷을 그릴 때, Rackham은 인물의 입체감을 묘사하는 동시에 움직이는 느낌을 주기 위해서 선을 사용하였다.

The Ruby of Kishmoor를 위해 Howard Pyle이 그린 일러스트레이션은 접근 방식은 구상적임에도 불구하고, 매우 표현적이다. 어떤 구도적 선택이 극적 느낌을 강화시켰을까? Boutet de Monvel의 일러스트레이션이 가볍고 유머러스하기는 하지만, 둘 사이의 유사점을 찾아낼 수 있는가?

Yamaguchi Soken이 그린 일본 그림을 Heinrich von Kleist의 Michael Kohlhaas를 위한 Jacob Pins의 목판화와 비교해 보면 차이점과 유사점을 발견할 수 있다. 둘 모두 평면적인 공간과 목판화 기법을 사용하고 있지만, 두 그림을 그린 화가들의 "필치"는 각기 독특하다. 이 그림에서, 목판화 선은 원래의(목판을 만들기 전의 원그림) 붓그림의 우아함과 특성을 되살려내는 데 성공하고 있다 그림을 보는 사람이 이것이 목판화라는 사실을 거의 "잊어버릴 정도이다.

Heinrich von Kleist의 Michael Kohlhaas를 위한 Jacob Pins의 목판화는 표현적이지만, 이런 특성을 성취한 방법은 의 방법과 다르다. 얼굴 표정을 나타내기 위해 사용된 수단의 경제성과 울퉁불퉁한 외곽선을 주목해서 보라.

Tom Thumb Gustave Doré의 일러스트레이션은 The Ruby of Kishmoor를 위해 Howard Pyle이 그린 일러스트레이션과 흥미로운 대조를 이룬다. 양자 모두 표현이 풍부하고 암시적이지만, 더 깊은 공간과 좀 더 드라마틱한 명암을 사용하고 있는 Doré의 일러스트레이션이 더 신비스러운 분위기를 갖고 있다. 작은 인물과 커다란 나무 사이의 대조와, 미지의 어둠 속으로 들어가는 인물들의 뱀처럼 구불거리는 움직임에 주목하라.

 

3) 초심자들을 위한 조언

개인적 스타일에 대한 고려가 이야기에 대한 화가 자신의 자연스러운 반응을 방해해서는 안 된다. 이야기의 주제, 감정과 분위기를 포착하려는 모든 노력을 기울이며, 스타일은 자연스럽게 나타날 것이다. 나는 처음에는 이야기를 읽고 그것에 대해서 생각하는데, 그러면 마음속에서 이야기가 명료하게 떠오르고 그것의 시각화가 이루어진다. 느낌과 아이디어가 생겨난다. 점차적으로, 책의 콘셉트가 내 마음속과 종이 위에서 형태를 갖추게 된다.

콘셉트가 기법을 결정하고, 그렇게 결정된 기법은 스타일에 영향을 준다. Dawn을 그릴 때를 예로 들면, 유리 슐레비츠는 새벽에는 물체의 윤곽이 부드럽게 보인다는 사실이 펜화 기법을 배제한다는 것을 깨달았으며, 붓을 사용하여 수채화 톤으로 그리기로 결정하였다. 접근 방식을 결정한 다음에는 최선을 다해서 그림을 완성했다.

작가가 그 그림을 그린 화가이기 때문에 그 그림은 필연적으로 작가의 특별한 "필적"을 담고 있을 수밖에 없다. 시각 콘셉트와 작가가 사용할 스타일의 요소들을 선택하는 과정에서 작가의 선호(또는 특정 미술 양식에 대한 애호)와 더불어서 그림 자체의 요구사항의 안내를 받았다. 그렇지만 작가는 작가의 개성이 내용을 압도하게 해서는 안 된다는 것을 명심하였다. Dawn의 스타일은 대부분은 그림의 시각적 문제를 해결하는 과정이 결과물이다. 이러한 점은 그림이 들어가는 모든 책에 적용되어야 한다.

주제가 아니라 화가의 개성이 어린이 책의 관심의 초점이 될 때, 개인적 스타일이 그림의 가장 중요한 측면 - 즉 내용의 대체물이 된다. 스타일에 대한 과도한 집착은 겉치레로 끝날 수 있다. 또한 독자의 관심을 그림이 아니라 작가에게 향하게 하고, 내용이 아니라 겉포장으로 돌릴 수 있다. 그리고 그림의 가독성과 즐거움을 방해할 수도 있다.

자신을 하나의 개인적 스타일의 테두리에 가두지 마라. 하나의 스타일을 전체 책에 일관되게 사용하는 것은 의미가 있으나, 화가가 매우 다른 책들에 동일한 양식적 틀을 강요하고자 할 때에는 일관성은 속박이 된다. 한 책에 들어갈 그림을 그리기 전에 자신이 그 이야기를 좋아하고 관심을 가지고 있는지 아닌지를 확실하게 해야 한다.. 또한 그 이야기의 이미지뿐만 아니라, 생각과 철학에도 동의해야 한다. 이야기에 대해서 부정적이거나 관심이 가지 않는 상태에서는, 최선을 다할 수가 없다. 진실한 느낌이 없으면 진정한 개인적 비전이나 스타일도 있을 수 없다.

자신의 눈으로 본 방식에 따라서, 정직하게 이야기를 형상화하라. 그러고 나서, 가장 적합한 수단을 이용하여, 최선을 다해서 그림을 완성하라. 새로운 책을 하나씩 그릴 때마다, 기법은 성장하며, 표현 수단도 성장할 것이다. 개인적 스타일은 글씨를 쓰는 것만큼이나 자연스러운 것이 될 것이다. 그러니 스타일을 강요하지 말라. 모든 화가는 독특하며, 개인의 흔적은 자신의 작품에서 드러날 수밖에 없다는 것을 기억하라.